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Der Beitrag beschäftigt sich mit der Digitalisierung historischer audiovisueller Tonträger – insbesondere Schellackplatten – für die musikwissenschaftliche Forschung. Er beschreibt die technischen, historischen und bibliothekarischen Anforderungen an ein standardisiertes Digitalisierungsverfahren, das sich an den Richtlinien des IASA Technical Committee orientiert. Im Fokus stehen ein transparenter Workflow, die sorgfältige Dokumentation technischer Parameter und Bearbeitungsschritte in Metadaten sowie die langfristige Archivierung und digitale Bereitstellung der Audiofiles, z. B. durch die SLUB Dresden. Ziel ist es, wissenschaftlich nutzbare und nachvollziehbar rekonstruierte Digitalisate bereitzustellen und einen Diskurs über Anforderungen an solche Quellen anzustoßen.
Grzondziel, Jürgen: "Bereitstellung historischer AV-Sammlungen für die Musikwissenschaft: Welche Anforderungen an audiovisuelle Medien stellen Sie?" In: Technologien des Singens. Ergebnisse des Forschungsprojekts und Beiträge zum Detmolder Symposion 2018. Herausgegeben von Rebecca Grotjahn, Malte Kob und Karin Martensen unter Mitarbeit von Philipp Kreisig. Allitera Verlag, München, 2025
Das Reisehandbuch gemeinsam. digital. gestalten. bildet den Abschlussbericht des bundesweiten Verbundprojekts Netzwerk 4.0 der Musikhochschulen, in dem sich 18 Musikhochschulen zusammengeschlossen haben. Seit 2021 wurde das Projekt im Rahmen des Programms Hochschullehre durch Digitalisierung stärken von der Stiftung Innovation in der Hochschullehre (StIL) gefördert.
Die Publikation lädt dazu ein, die vielfältige Netzwerkarbeit in Form thematischer Touren zu erkunden. Diese orientieren sich am zentralen Motto gemeinsam. digital. gestalten., sind farblich strukturiert und bieten praxisnahe Impulse, Einblicke und Rückblicke und führen so als Reisehandbuch durch die Landschaft des Projekts. Über QR-Codes sind interaktive Inhalte, PDFs und Videos direkt abrufbar, wodurch die Ergebnisse der Projektarbeit unmittelbar zugänglich gemacht werden.
Im vorliegenden Rahmenpapier werden Potenziale, Herausforderungen und Perspektiven von Co- und Team-Teaching beschrieben sowie vernetzte und teambezogene Modelle für den künstlerischen Unterricht an Musikhochschulen vorgestellt. Es dient als Denkanstoß zur Gestaltung teambezogener Lehre an Musikhochschulen und gleichzeitig als ‚work in progress‘, das diskutiert, ergänzt und weiterentwickelt werden kann.
Das White Paper bietet praxisorientierte Impulse für die Einführung und Umsetzung eines Onboarding-Konzepts an Musikhochschulen. Aufbauend auf dem „Strategiepapier für das Onboarding von neuberufenen Professor:innen“ werden darin zentrale Erkenntnisse aus methodisch-didaktisch begleiteten Informationsworkshops und Zukunftswerkstätten dokumentiert. Aus diesen Erfahrungen werden konkrete Leitlinien und Strategien abgeleitet, die Musikhochschulen bei der Gestaltung eines nachhaltigen Onboarding-Prozesses unterstützen.
Der Beitrag analysiert die akustischen Unterschiede zwischen klassischem Gesang, Belting und der Sprechstimme. Mithilfe der Software Praat werden die Obertöne und Formanten verschiedener Töne in den drei Stilen verglichen. Die Ergebnisse zeigen, dass Belting ähnliche akustische Merkmale wie klassischer Gesang aufweisen kann, während die Sprechstimme geringere Anteile an Obertönen zeigt. Zur begrifflichen Abgrenzung schlägt die Autorin den Begriff „Speanging“ vor, um das Singen mit sprechstimmbasierten Klangmerkmalen zu beschreiben.
Bonin, Christin: Comparing Sounds of the Singing Voice. In: Technologien des Singens. Ergebnisse des Forschungsprojekts und Beiträge zum Detmolder Symposion 2018. Herausgegeben von Rebecca Grotjahn, Malte Kob und Karin Martensen unter Mitarbeit von Philipp Kreisig. Allitera Verlag, München, 2025.
The acoustic and auditory properties of individual musical instruments have been extensively studied over recent decades, however, their sonic interplay within a musical ensemble remains under-explored. Given their considerable importance across various fields, aspects of ensemble sound, such as blending of instruments, perceptual relevance of directivity of instruments, and the role of room acoustics, demand comprehensive evaluations and an interdisciplinary approach. This study aims to improve the perceptually motivated acoustic representation of instruments in joint performance in both real and virtual acoustic domains, by exploring different stages of these aspects in musically realistic contexts.
An explorative listening test with live string ensemble performance suggested that the characteristics of the acoustic environment considerably influence the blending of violins playing in unison. Combining methods of Machine Learning and Music Information Retrieval, a computational modelling approach is proposed to classify sound samples from an ensemble recording according to perceived blending. Proving this classification to be effective for monophonically rendered sound samples of two violins from in-situ environments, without requiring the individual source recordings marks a first step towards comprehensive blending modelling. Furthermore, the applicability of close-microphone recordings for auralization of a perceptually convincing ensemble sound was successfully demonstrated.
Advancing previous research in directivity perception, it could be demonstrated that the room acoustics have a greater impact on the orientation perception of sources than their directivity. By involving instruments with distinct radiation directivities in a variety of acoustic environments, the major acoustical parameters influencing the orientation perception have been explored. Examining musical instruments with their inherent dynamic directivity against loudspeakers in in-situ conditions showed that their distinction becomes obscured under specific acoustic conditions. These findings led to a pilot study on the perceptual relevance of high-order directivity modelling of individual sources forming an ensemble. Results indicate, that even with an increasing number of sources, their detailed directivity characteristics remain pivotal for auralizing ensemble performance.
The role of room acoustics in shaping the overall blending is shown to be dependent on the source-level blending. A computational model for predicting overall perceived blending in musical performance using source-level blending ratings and room acoustical parameters was suggested and validated. Analysis of its feature importance revealed that the room acoustic contribution to the overall blending impression is nearly as significant as the blending between instruments at the source level. By emphasizing and detailing relations between musical blending, directivity perception, and auralization aspects, this thesis contributes to the advancement of ensemble sound research and offers insights pertinent to music performance and perception research, virtual acoustics, and related fields.
Dieser umfassende Praxisleitfaden ermöglicht einen niedrigschwelligen und fundierten Einstieg in die Podcast-Produktion – von der ersten Idee bis zur veröffentlichten Folge. Er richtet sich speziell an Lehrende, Studierende und alle Interessierten an Musikhochschulen und Bildungseinrichtungen, die das Medium Podcast für Lehre, Lernen und Öffentlichkeitsarbeit nutzen möchten.
Der Leitfaden vermittelt praxisbewährte Konzepte, beginnend mit den entscheidenden Grundlagen für gute Aufnahmen (Raum, Mikrofonposition, Einpegeln) über die Planung von Aufnahmesessions, die Auswahl von Equipment bis hin zum kompletten Postproduktions-Workflow. Der Leitfaden gibt Impulse zum didaktisch sinnvollen Einsatz von Podcasts in der Hochschullehre, sei es als Lernmaterial, Prüfungsform oder Projektarbeit. Konkrete Hinweise zur Barrierefreiheit sowie eine Einschätzung der Potenziale Künstlicher Intelligenz unterstützen dabei, Podcasts inklusiv und zeitgemäß zu gestalten.
Die FAQ soll als Hilfestellung zur individuellen Ausgestaltung eines Patensystems dienen und ergänzt das „Strategiepapier zu Onboarding von neuberufenen Professor:innen an Musikhochschulen“. Gleichzeitig versteht sich das FAQ als „work in progress“ Sammlung, das dazu einlädt, von den Mitgliedshochschulen inhaltlich ergänzt und konstruktiv weiterentwickelt zu werden.
This transcription of the "Twelve Fantasias for Viola da Gamba solo" for marimba is a project of the percussion-department at the Hochschule für Musik Detmold.
The aim of this edition is, while staying as close as possible to the musical source, to offer some explanations and suggestions for performance practice on marimba.
The Zip file contains monophonically rendered sound files used in the source level blending evaluation. The sound samples provided are recorded from a violin ensemble performance at Detmold Concert House as a part of an investigation on the influence of acoustic environment on the impression of blending [1]. DPA 4099 clip-on microphones were used to capture individual violins in the performance. Each sound sample consists of two violin signals that were rendered by downmixing to a monophonic format at 44.1kHz/16-bit depth. The impression of blending between the two violins in each sample was rated by a group of trained listeners, and the results are provided in the description file. Please refer to the publication for more details on the performance of the violin ensemble. Also, please cite the publication if these samples are used for scientific evaluations.
[1] Jithin Thilakan and Malte Kob, “Evaluation of subjective impression of instrument blending in a string ensemble”, Fortschritte der Akustik - DAGA 2021 in Wien, pp. 524-527.
Der Beitrag widmet sich aktuellen musikdidaktischen Positionen zu Digitalisierung und (Post)Digitalität in diskursanalytischer Perspektive. Dabei werden die den untersuchten Diskursbeiträgen zugrundeliegenden sowie die durch sie entfalteten Orientierungen und Normen herausgearbeitet, kategorisiert und hinsichtlich ihrer Tragfähigkeit für konzeptionelles musikdidaktisches Denken kritisch diskutiert.
Der Text dient als Einführung und Leitfaden für Lehrende zum Thema Evaluation in der Lehre an Musikhochschulen. Das Ziel ist es, Lehrenden eine Handreichung zu geben, passende Methoden für die eigene Lehrevaluation zu finden. Es werden unterschiedliche Konzepte und qualitative sowie quantitative auf Musikhochschulen zugeschnittene Evaluationsmethoden sowie angrenzende Feedbackmethoden (CATs= Classroom-Assesment-Tools) vorgestellt. Es wird anhand von Praxisbeispielen beschrieben, wie diese Methoden in musikhochschulspezifischen Lehr-Lern-Formaten eingesetzt werden können. Ein Schwerpunkt des Textes liegt auf den Methoden der Selbstevaluation, den Besonderheiten der musikhochschulspezifischen Lehr-Lern-Formate sowie einem knappen Überblick über die Methoden der empirischen Sozialforschung. Ziel ist es den Lehrenden eine Idee davon mitzugeben, Evaluation und Lehrentwicklung zusammen zu denken. Der Text enthält Praxisbeispiele und Anregungen von Prof. Dr. Anne Niessen.
Grundlage dieses Textes ist eine Fragebogenstudie an 11 deutschen Musikhochschulen, die vom Netzwerk Musikhochschulen im Jahr 2018 durchgeführt wurde. Es geht um die Frage, wie die Sänger*innen als Absolvent*innen ihren Weg in das Berufsleben gehen. Der Text befasst sich sowohl mit den Aspekten der Studienzeit (Abschlüsse, Motivation, Tätigkeiten während des Studiums, Berufsziele, Zufriedenheit mit dem Studium), als auch mit dem Berufsleben (Anstellungsarten, Mehrfachtätigkeiten, Verdienst, Zufriedenheit) aus Sicht der Sänger*innen.
